Festivals - Cycles - Retrospectives

Akira Kurosawa (1910-1998) est l'une des figures majeures de l'histoire du cinéma mondial. Cinéaste japonais le plus connu à l'international, il a profondément influencé plusieurs générations de réalisateurs, de Sergio Leone à George Lucas, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola ou Steven Spielberg.

« L'œuvre de Kurosawa est aujourd'hui encore une grande source d'inspiration pour nous tous. » Steven Spielberg

Son cinéma allie une maîtrise visuelle exceptionnelle, un sens unique du mouvement, une direction d'acteurs magistrale et une réflexion constante sur la justice, le pouvoir, la loyauté et la condition humaine. De Rashōmon aux Sept Samouraïs, de Vivre à Ran, et avec ces 3 chef-d'oeuvre, son œuvre demeure l'une des plus admirées de toute l'histoire du cinéma.

Trois films, trois visages d'un immense cinéaste.

📍 LE CHÂTEAU DE L'ARAIGNÉE (Kumonosu-jō) – 1957. Quand Shakespeare rencontre le Japon des samouraïs.
Une adaptation saisissante de Macbeth, où la soif de pouvoir entraîne un seigneur de guerre vers une chute aussi inévitable que terrifiante.

A savoir: La célèbre scène finale, où Washizu est criblé de flèches, fut tournée avec de véritables archers tirant de vraies flèches autour de Toshirō Mifune.

Bien que sorti avant l'essor des grands festivals internationaux, le film est aujourd'hui considéré comme l'un des sommets de la filmographie de Kurosawa, et une référence incontournable du cinéma japonais. Il figure régulièrement dans les classements des meilleurs films de tous les temps.

📍 LA FORTERESSE CACHÉE (Kakushi toride no san akunin) - 1958. Le film qui inspira Star Wars… mais surtout l'un des plus grands films d'aventure jamais réalisés.

Une princesse en fuite, un général fidèle, deux paysans cupides embarqués dans une mission périlleuse visant à sauver une princesse et un trésor : un récit d'aventure d'une modernité éblouissante.

Récompense: Ours d'argent du meilleur réalisateur au Festival de Berlin 1959. Film considéré comme l'un des grands films d'aventure de l'histoire du cinéma.

A savoir: George Lucas a reconnu que La Forteresse cachée fut l'une des principales sources d'inspiration de Star Wars. Les deux paysans ont directement inspiré le duo C-3PO / R2-D2, tandis que la princesse Yuki annonce la princesse Leia.

À voir et revoir, parce qu'il conjugue suspens, humour, aventure et souffle épique avec une virtuosité et une inventivité qui continuent d'influencer le cinéma contemporain.

📍 SANJURO - 1962. L'élégance du sabre au service de la justice. Le plus emblématique des films de sabre, porté par un Toshirō Mifune au sommet de son art.

Un samouraï solitaire accepte d'aider neuf jeunes guerriers idéalistes à déjouer un complot politique, avec autant d'intelligence que de coups de sabre.

Immense succès public au Japon dès sa sortie, Sanjuro est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands chanbara (films de sabre) de l'histoire et l'un des rôles emblématiques de Toshirō Mifune.

Le duel final est devenu l'une des scènes les plus célèbres de toute l'histoire du cinéma japonais. Kurosawa retarde l'explosion de violence jusqu'à un dénouement d'une fulgurance inoubliable, souvent cité parmi les plus grands duels jamais filmés.

Un homme, un mythe, un désert infini : avec Lawrence d’Arabie, David Lean signe l’un des sommets absolus du cinéma épique. À partir du 27 juillet, Le Champo vous invite à redécouvrir Lawrence d’Arabie.

Porté par l’interprétation magnétique de Peter O’Toole, aux côtés d’Omar Sharif, Alec Guinness et Anthony Quinn, le film retrace le destin de T. E. Lawrence, officier britannique engagé dans la révolte arabe contre l’Empire ottoman pendant la Première Guerre mondiale.

Synopsis : Pendant la Première Guerre mondiale, le jeune officier britannique T. E. Lawrence est envoyé dans la péninsule arabique pour prendre contact avec les forces arabes révoltées contre l’Empire ottoman. Fasciné par le désert et par ceux qui le traversent, il s’engage peu à peu aux côtés du prince Fayçal et participe à une campagne militaire d’une ampleur spectaculaire, entre raids, alliances tribales et opérations décisives.

Mais derrière l’épopée, David Lean filme surtout la naissance d’un mythe — et son trouble. Lawrence devient une figure héroïque, admirée autant qu’instrumentalisée, mais se retrouve pris entre plusieurs mondes : l’Empire britannique, la cause arabe, la stratégie militaire et sa propre soif de grandeur. Le film raconte ainsi autant une aventure monumentale qu’un vertige intérieur : celui d’un homme qui finit par se perdre dans la légende qu’il a contribué à créer.

Récompenses : Lawrence d’Arabie a obtenu 10 nominations aux Oscars et remporté 7 Oscars, dont :

• Meilleur film — Sam Spiegel
• Meilleure réalisation — David Lean
• Meilleure photographie couleur — Freddie Young
• Meilleur montage — Anne Coates
• Meilleure musique originale — Maurice Jarre
• Meilleur son
• Meilleurs décors couleur

Peter O’Toole fut nommé comme meilleur acteur et Omar Sharif comme meilleur acteur dans un second rôle.

Un vélo file trop vite, une porte automatique hésite, un poisson-fontaine se déclenche au mauvais moment : Jacques Tati revient au Champo, et le monde moderne n’a qu’à bien se tenir.

À travers ses six longs-métrages, cette rétrospective invite à redécouvrir un cinéma du geste, du son, du détail et du burlesque, dans de nouvelles restaurations 4K.

Jacques TATI

Jacques Tati occupe une place unique dans l’histoire du cinéma français. Héritier du music-hall, du mime et du burlesque muet, il a inventé une forme immédiatement reconnaissable : peu de dialogues, beaucoup de sons, une attention extraordinaire aux corps, aux objets, aux décors et aux petits accidents du quotidien. De Jour de fête à Playtime, son cinéma observe la modernisation de la société française — la vitesse, l’architecture, la consommation, l’automobile, la technologie — sans jamais perdre sa tendresse pour les rêveurs, les maladroits, les enfants, les chiens et les passants qui ne marchent pas tout à fait au bon rythme.

Chez Tati, le gag n’est jamais seulement une chute : c’est une manière de regarder le monde. Un village s’emballe parce qu’un facteur veut aller plus vite. Une plage devient une chorégraphie de vacances. Une maison moderne se transforme en piège design. Un aéroport, un restaurant, un salon de l’automobile ou une piste de cirque deviennent des laboratoires d’observation. Tout semble réglé au millimètre, et pourtant tout déraille — délicatement.

LES 6 FILMS DU CYCLE 

📍 Jour de fête (1949) transforme la tournée d’un facteur en ballet rural de la modernité.
Un village tranquille, une fête foraine, un facteur survolté : la modernité arrive à bicyclette, et elle n’a pas très bien vérifié ses freins.
Naissance du regard Tati : un comique sans méchanceté, un sens du rythme unique, une tendresse pour la France des villages, et déjà cette question centrale : faut-il vraiment aller plus vite pour mieux vivre ?
Carlotta présente ce film comme le “premier chef-d’œuvre burlesque”.

📍 Les Vacances de Monsieur Hulot (1953) invente Hulot et fait d’une station balnéaire un théâtre du temps libre. 
Monsieur Hulot arrive à la mer. Les vacanciers n’étaient pas prêts. Les portes battantes non plus.
Un film d’une douceur trompeuse : tout semble léger, presque immobile, mais chaque plan est un piège comique. Les Vacances de Monsieur Hulot donne envie de partir à la mer — mais peut-être pas dans le même hôtel que Monsieur Hulot.
Prix Louis-Delluc 1953 et sera nommé à l’Oscar du meilleur scénario original en 1956

📍 Mon Oncle (1958) oppose la fantaisie des vieux quartiers à l’absurdité brillante d’une maison ultra-moderne.
Une maison ultra-moderne, un poisson-fontaine très susceptible, un oncle pas assez rentable : bienvenue dans le confort compliqué. 
Peut-être le film le plus immédiatement accessible de Tati : drôle, coloré, cruel juste ce qu’il faut, et incroyablement actuel dans sa manière de regarder les objets censés nous simplifier la vie. Le design y est impeccable ; l’humain, heureusement, l’est beaucoup moins.
Prix spécial du jury au Festival de Cannes 1958 et l’Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1959.

📍 Playtime (1967). Œuvre monumentale de Jacques Tati, Playtime est une expérience visuelle et sonore unique, qui transforme la ville moderne en immense terrain de jeu burlesque où l’homme tente de rester humain parmi le verre, l’acier et les automatismes.
Des vitres, des reflets, des bureaux, des touristes, un restaurant qui s’écroule poliment : la modernité fait son numéro,la fête surgit, et le chaos rend enfin le monde habitable.

📍 Trafic (1971). Monsieur Hulot prend la route. La voiture avance, le monde klaxonne, et la ligne droite devient une hypothèse optimiste.
Peut-être l’un des Tati les plus directement actuels. Il suffit de regarder un rond-point, un périphérique ou un conducteur pressé pour comprendre que le film n’a pas vieilli. Tati ne condamne pas seulement l’automobile : il observe ce qu’elle fait à nos gestes, à notre patience, à notre rapport aux autres.
Un film de bouchons, de détours et de regards amusés : un road movie où la route importe moins que les petites folies qu’elle révèle.

📍 Parade (1974) revient au cirque et au music-hall pour célébrer le spectacle vivant, l’enfance et l’invention collective.
Jacques Tati entre en piste : un cirque, des clowns, des acrobates, des enfants, des spectateurs… et soudain, toute la salle devient spectacle.
Un Tati plus léger, plus intime, plus joueur — un Tati qui tend la main au public et lui dit presque : “Entrez, il reste une place sur la piste.”